sábado, febrero 18

Anxl's Favorites: She & Him - Volume One (2008)




Hacía mucho que una banda nueva no me llegaba de esta manera. Siendo sincero, al principio solo me acerqué a este disco por pura curiosidad. Todos sabemos el resultado que suele dar cuando un actor o actriz prueba fortuna en el mundo de la música… ¿no?
Los casos son incontables: Russell Crowe, Billy Bob Thornton, Scarlett Johansson, Steven Seagal (!), Johnny Deep o Zooey Deschanel, que es el que nos ocupa.

Zooey siempre me había parecido una actriz saladísima con mirada magnética y poco más, pero jamás hubiera pensado que su faceta musical iba a ser tan genial.

Lo primero que pensé es que era un acierto que prescindiese de su popular nombre para llegar a la gente y utilizase simplemente algo "genérico" como She & Him. Sin duda, es una buena táctica para que los medios (siempre con ganas de destripar) te empiecen a tomar un poco en serio.

En este proyecto, Zooey se unió al guitarrista Matt Ward para dar rienda suelta a sus composiciones y el resultado del debut, llamado únicamente Volume One, es sobresaliente.

Ante todo, las composiciones de Zooey, que firma prácticamente todos los temas ella solita, son increíbles. Una auténtica lección de cómo se deben componer unas bellas canciones de pop oldie. Y es que el resultado es totalmente vintage transportándonos de lleno a los años 50 o 60. Las influencias son muy claras y perfectamente conjugadas. El amor por los primeros Beatles se junta con cantantes femeninas de la talla de Skeeter Davis, Ronnetes, Shangri-Las y fluye con una pizca de country y doo wap femenino. Mención aparte para la producción que contrasta con preciosas canciones desnudas y una muralla de sonido típica de Phil Spector cuya influencia también es clave para el magnífico resultado de la instrumentación.

Hay clarísimos “homenajes” a Spector como el espectacular cierre del álbum (Sweet Darling), lleno de coros, instrumentos de cuerda y la percusión marca de la casa (castañuelas, palmas…)

Sweet Darling con el sonido Phil Spector gobernando la canción.

I Was Made For You sigue este patrón, jugando con los acordes menores constantemente para crear esa sensación melancolico-nostálgica y alegre que tanto nos gusta a los amantes de los sonidos oldies. La instrumentación y arreglos en esta canción siguen siendo Phil Spector style y Zooey canta con un registro más agudo y naive (ingenuo) que la hace irresistible.

The Beatles están presentes en el inicio del disco. Sentimental Heart tiene una orquestación digna de George Martin, mientras Zooey imprime su personalidad sobre un piano que podría estar tocando McCartney o Lennon.

El single Why Do You Let Me Stay Here? Utiliza una progresión de acordes que evoca de nuevo al Fab Four, por no decir la coda llena de coros y parada incluida. Arreglos exquisitos y un solo de guitarra fantástico y muy americano acaban por redondear un tema que es difícil quitarse de la cabeza.




El clip alternativo de Why Do... con los protagonistas de 500 Days Of Summer (Zooey y J.G Lewitt) marcandose un baile muy chulo.

This Is Not a Test podría pasar por una canción pop más standart pero las melodías acaban transportando de nuevo nuestra mente a los primeros 60’s. Incluido un solo de kazoo que resta dramatismo a una canción que se convierte en adorable.

Change Is Hard es un bellísimo medio tiempo de aires country, recordándonos un poco a Dolly Parton por poner un ejemplo mainstream. Pedal steel, dobro y base rítmica al servicio de la peculiar interpretación de Zooey.

I Tought I Saw your Face Today sigue la tónica de medio tiempo, basado en piano y con un sentimiento desbordante recuerda también a unos Beatles un poco más kitch. Después e un estribillo memorable se marcan una parte silbada que es una obra de arte. Detalles pequeños como este hacen que el disco me llegue al alma. Casi se me saltaban las lágrimas de alegría cuando escuché por primera vez esta parte!

Take It Back muesta la parte más desnuda del disco. Un tema a medias entre el blues y el swing a modo de crooner femenina perfecto para apreciar la capacidad vocal e interpretativa de Zooey.

Siguiendo con la parte desnuda, aquí podemos incluir también las excelentes versiones de The Beatles grabadas para la ocasión. You Really Got A Hold On Me (que en realidad tampoco es de The Beatles) está interpretada únicamente con una guitarra acústica y las voces esta vez repartidas de Zooey y M.Ward. Por su parte, I Should Have Known Better con un pedal steel constante acerca el sonido un poco más al estilo americano y M.Ward vuelve a compartir tareas vocales en el estribillo de la canción.

El country más claro del disco es Got Me y la pareja se vuelve a desenvolver de maravilla, esta vez Zooey se dobla su propia voz para recrear ese sonido tan rootsy y peculiar del estilo.

Y solo nos queda por comentar Black Hole, que seguramente es el tipo de canción que estoy intentado escribir desde hace años! Para que os hagáis una idea, todos los elementos de esta canción han pasado por mi cabeza para diferentes temas, desde progresiones de acordes hasta los coros, y escuchar todos estos elementos reunidos en un tema de 2:12 minutos me fascina. Es imposible que no me encante!!

Es un álbum que reúne absolutamente todos los ingredientes para que yo lo adore. Y la voz de Zooey, es tremendamente personal. Habrá gente que le guste más o menos su registro, pero es innegable que lo que hace le sale del alma y a mí me ha conquistado.

Es una pena que haya descubierto este dúo ahora… actuaron en Apolo hace un año y medio o así y desgranaron un repertorio de más de 20 canciones! Cool!! Ojala graben pronto, pero sabiendo que la serie de Zooey (New Girl) es la más vista de la Fox solo un punto por debajo de la de su hermana (Bones) creo que la cosa estará aparcada de momento.

En fin, Haceros un favor y escuchad este disco.

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viernes, febrero 17

Drive



Drive es una de esas películas que marcan generaciones, como lo han hecho filmes de Tarantino en los ’90 o de Aronofsky en los 00, por poner un par de ejemplos de directores indies que han llegado a las masas.

Drive lo tiene todo, la estética, la cadencia, las actuaciones y la historia (sencilla y directa), para convertirse en un autentico referente cinematográfico en los años venideros. Ha pasado de ser una cinta absolutamente indie con vocación de clásico de culto a convertirse, tras su estreno, en un auténtico éxito de boca oreja que ya ha traspasado la barrera del mainstream.

Mi primer contacto con Drive fue meses antes del estreno cuando la pasaron por Sitges. Mis compañeros de clase habían quedado encantados y llevaron una copia pirata para comentar unas escenas de la peli. Ni que decir que las escenas que escogieron me dejaron totalmente descolocado… no tenía ni puta idea de que tipo de peli podía ser!! Unos títulos de crédito y una música absolutamente 80’s se mezclaban con un ritmo pausado de planos que sinceramente no esperaba. De hecho era bastante escéptico, porque vale… Ryan Gosling me había gustado mucho en Blue Valentine, pero tenía una percepción de él que no me convencía (el pasado vergonzoso del colega y pelis como El Diario de Noah no ayudan…) ¡Qué equivocado estaba!

En fin, nada más llegar a casa descargué la peli porque me picaba muchísimo la curiosidad y wow! Hacía tiempo que una película no se me hacía tan corta y no me quedaba tan absorto contemplando cualquier detalle.

El conductor encarnado por Gosling va camino de convertirse en el antihéroe de la generación. Poco se sabe de él, pero su carisma y su enigmática personalidad juegan un papel crucial para la magnífica atmósfera del filme. Es un personaje que se ha retratado varias veces en el mundo del cine negro bajo el arquetipo de la persona que está atrapada por un pasado intrigante u outlaw del que desea escapar. Aquí ya cada uno que saque sus propias conclusiones, ya que la película está cargada de referencias populares que serán estudiadas por toda la nueva hornada de fans que se viene encima.

Spoilers aparte, tan solo remarcar un inicio brillante y desconcertante, o en genial contraste de belleza y crudeza de la asombrosa escena del ascensor.

En cuanto al guión puede parecer que hay demasiadas casualidades, eso siempre lo he tenido en cuenta, pero está tan bien dirigido que funciona a la perfección para que la película sea dinámica y directa. Incluso momentos que en manos de otro director podrían haber jodido la peli llevándola a terrenos románticos, aquí están completamente justificados para meter al espectador de lleno en la historia y comprender de alguna manera la actuación del conductor.

Mención aparte para los secundarios, Albert Brooks sencillamente genial y qué decir de estrellas de la TV actual como Bryan Cranston (Breaking Bad, Malcolm), Christina Hendricks (Mad Men) o Ron Perlman (Sons Of Anarchy). Todos ellos demuestran que pueden saltar sin problemas a jugosos papeles de la gran pantalla.

A estas alturas supongo que todo el mundo ha visto ya la película, así que tampoco hay que extenderse demasiado. Una jodida obra maestra y Gosling demuestra que es el actor más a tener en cuenta del cine americano. Tiene la edad perfecta para convertirse en uno de los grandes y parece que lo está demostrando. Nosotros, al igual que él nos preguntamos donde está su nominación al Oscar... (incluso el bestia de Russell Crowe lanzó unos twits indignadísimo por no ver a Gosling ni a Drive en la lista de nominados)

Salvando las distancias, este caso recuerda cuando ninguneraron a Pulp Fiction frente a Forrest Gump. Cosas de la academia...

sábado, febrero 4

Van Halen - A Different Kind Of Truth (2012)




La vuelta discográfica de Van Halen con David Lee Roth después de 27 años es sin lugar a dudas uno de los acontecimientos más esperados no solo por los amantes del rock sino de la música en general. Pocas bandas fueron tan rompedoras y a la vez divertidas como los Van Halen clásicos y por descontado cualquier hijo de vecino sabe que Eddie Van Halen es el guitarrista más innovador de la historia después de Jimmy Hendrix.

Había muchas incógnitas en este retorno. Como siempre pasa en estos casos, el grupo de turno se la juega a sacar un producto totalmente irrelevante que no contente ni a fans ni a crítica (The Stooges, por ejemplo) y luego están otros factores que influyen para que la gente juzgue prematuramente como la cuestión de la edad (son casi sexagenarios) o la inexplicable ausencia del bajista Michael Anthony en beneficio del anti carismático hijo de Eddie.
Mike era una de las claves en el sonido VH, no solo por su estilo como bajista, sino por contribuir a engrandecer esos irrepetibles coros con los que vibramos en todos sus álbumes.

En fin, centrémonos en la música que es lo importante.
Bajo mi punto de vista, Van Halen han sacado un disco absolutamente genial, una absoluta vuelta a los orígenes con la inevitable puesta al día el sonido que va a hacer las delicias de todos los que disfrutamos con las obras clásicas de esta maravillosa banda. Y es que A Different Kind Of Truth es el dignísimo sucesor de una discografía perfecta.

El contenido es apabullante y el planteamiento del álbum es juntar todos los ingredientes que hicieron grandes a Van Halen. Por ello, encontramos temas cercanos a ciertos clásicos, viejas demos trabajadas de nuevo y lo más importante canciones con gancho y unos Van Halen y DLR en estado de gracia continúa.



Tattoo, el polémico primer single. De verdad está pedazo de canción no ha gustado a fans?? No me lo puedo creer.

El single Tattoo abre el disco y pese a que fue recibida fríamente por un sector de fans (yo no), es indudable que es una carta de presentación apabullante para devolver a VH a las listas. Está claro que no es Jump, pero el sentimiento que respira es similar.

She’s the Woman es el primer trallazo cuya demo data de finales de los 70! Eddie descarga riffs incendiarios a la vez que juega con el wah wah en un tema que puede competir con cualquier clásico de la banda. La voz de Dave está muy bien y los coros son marca de la casa. Una canción de hard rock con tintes funk realmente increíble.

You And your Blues nos trae unas melodías nostálgicas recién salidas de 1984 pero con el espíritu de temas como Dance The Night Away acompañando en todo momento. El estribillo poppie es una de mis partes favoritas de este álbum.

Chinatown y sus riffs acompañados de un doble bombo nos transporta a los VH más salvajes, o a aquel irrepetible debút de DLR con Steve Vai y Billy Sheenan. A parte de la increíble labor de Eddie, su hijo hace un excelente trabajo con el bajo y Diamond Dave impregna con su estilo peculiar todo el tema quedando redondo por completo.

Blood & Fire, es otra vieja demo que han puesto al día y nos transporta directamente a 1984, el mismo año que salió como banda sonora de una peli de Cameron Crowe en su versión instrumental. Suena tanto a VH clásicos que cuesta pensar que es una grabación de 2012 si no fuera por las mejoras de sonido.

Bullethead y As Is devuelven las revoluciones al álbum, la primera es un arrebato hard rockero a la altura de las circunstancias, y la siguiente es probablemente mi favorita, con ecos de Hot For Teacher, Eddie da una auténtica lección de guitarra mientras Dave consigue una interpretación brillante llevando a un terreno inquietante las melodías. Destaca la utilización de afinaciones graves que supone una actualización del sonido, el interludio a lo ZZ top y el increíble solo a modo de tapping, como en los viejos tiempos. Un 11 de canción!



As Is, por ahora mi favorita.

Honeybabyweetiedoll es un tema mucho más actual que demuestra lo que son capaces estos VH de 2012. Duro, inspirado y tremendamente original.

The Trouble With Never es otro tema con toques funk con vocación de single, adictivo y divertido a partes iguales.

Big River huele a clásico, con esa línea de bajo tan marcada y otra vez una melodía de David Lee que encaja a la perfección. Seguimos sin echar de menos a Michael Anthony puesto que los coros siguen sonando a gloria sin él.

Stay Frosty está siendo la favorita de algunos fans y que puedo decir… roza la perfección. Un blues acústico estilo Ice Cream Man como solo Dave puede adaptar a su peculiar estilo hasta que llegan las duras guitarras y las revoluciones que convierten el tema en un boggie bestial de 2012 recordándonos de nuevo como no a ZZTop.

Y llegamos al final con Beats Workin’ que despide el álbum con todos los ingredientes de la banda instrumentalmente y unas melodías perfectamente hilvanadas con los riffs rockeros que lanza Eddie.

Solo me dejo Outta Space que pese a no ser una mala canción es el único momento “prescindible” de un álbum perfecto!
Estamos de enhorabuena, Van Halen han sacado un auténtico clásico en pleno 2012!! Ya lo podéis poner en vuestra estantería al lado de Fair Warning y 1984 porque es una perfecta continuación y el solo el tiempo decidirá si lo podemos considerar tan clásico como las viejas obras.

De momento yo digo SI.

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